추상 예술의 유형은 매우 다양하며 거의 모든 형태의 변화가 완전히 새로운 스타일을 낳기 때문에 매우 다양합니다. 예술과는 거리가 먼 사람이 이 모든 것을 이해하고 가장 중요한 것은 추상화가 왜 발명되었고 왜 존재하는지 이해할 수 있습니까?
추상 미술이 등장한 이유는 무엇입니까?
일반적으로 추상화는 정확히 우리 시대의 발명품이 아닙니다. 석기 시대의 예술은 추상화로 가득 차 있습니다(우리가 추측할 수 있는 진정한 목적인 신비한 원, 사각형, 삼각형). 그 자체로 추상적인 인물과 인물의 개념은 그 시대의 발견이다. 역사는 추상화가 예술적 아이디어를 표현하는 유일한 법적 방법이었던 문화를 알고 있습니다(아랍, 유대인). 추상화는 항상 사실적이고 양식화된 장식품의 이미지와 나란히 있었습니다.
예술가들은 시대를 잊어서는 안되기 때문에 실생활을 묘사하려는 욕구가 점점 줄어들었습니다. 두 번의 세계 대전과 전체주의 정권은 이전의 목가적인 세계를 끔찍한 광경으로 만들었습니다. 글쎄, 누가 참호에 앉아 데이지와 이끼를 묘사 할 것인가? 결과적으로 – 현실에서 순수한 인간 감정의 세계로의 완전한 탈출. 추상주의자들이 묘사하는 것은 바로 감정(감정)이다.
예를 들어, 특정한 사고방식을 가진 민감한 사람은 Rodko의 후기 캔버스가 보는 이로 하여금 깊은 슬픔을 느끼게 해야 하고 초기 캔버스에서도 기쁨을 표현할 수 있다는 것을 이해할 수 있습니다. 결국 색상과 모양 자체는 인간의 정신에 의해 인식됩니다. 자, 우리 중에 누가 피처럼 붉게 물드는 석양을 바라보며 불안을 느끼지 않고, 먼 섬의 청록색 바다와 맑은 하늘을 바라보며 평화를 느끼지 못하겠습니까? 색상과 모양에는 잠재의식의 암시력이 있습니다.
추상 미술사
추상화는 회화와 조각의 다양한 대가에 의해 동시에 발명되었습니다. 오랫동안 Kandinsky의 그림 중 하나가 최초의 것으로 간주되었습니다 (오늘날이 관점은 이미 논박되었습니다). 그의 발전에서 Kandinsky는 점묘주의의 요소가 있는 거의 의무적인 인상주의의 “강력한” 학교에서 무정형 인물을 그린 최초의 예술가로 나아갔습니다. 그의 초기 작품은 감정의 특별한 “야생”으로 구별되며 페인트는 단순히 캔버스에 겹쳐집니다.
후기 작품에서는 기하학적이지 않지만 여전히 형태가 나타납니다. 그는 자연을 형상화하는 데 관심이 있으며 무척추 동물을 닮은 “동물”의 추상적인 실루엣을 만듭니다. 그러나 그의 특별한 사랑은 볼로그다 지역과 북부를 여행할 때 본 고대 러시아 그림인 Ust-Kuloma 물레입니다. 이를 계기로 관료직을 그만두고 예술에 전념하게 되었습니다.
기하학적 추상화는 피카소 시스템의 단순화로 거슬러 올라갑니다. 그는 물체를 기하학적 결정으로 부수는 입체파 형태를 그렸습니다. 나중에 현실은 더 이상 필요하지 않았습니다. 혁명 이전의 러시아에서도 기하학적 인물로 작곡을 만든 기하학적 추상화 학자 Malevich와 El Lissitzky의 작업이 분명히 나타났습니다. 동시에 Larionov와 Goncharova는 광선에서 추상 및 반추상 형태를 그리는 방법을 개발하고 있었고 Robert Delaunay와 그의 러시아 아내 Sonya는 동심원의 만화경과 유사한 빛을 전달하는 시스템을 만들고 있었습니다.
기하학적 추상화는 1차 세계 대전 이후 네덜란드에서 독자적인 방식으로 진행되었습니다. Piet Mondrian은 표면을 무색 기본 색상(파란색, 노란색 및 빨간색)으로 채워진 직사각형으로 나누는 방법을 만들었으며 그의 전 친구이자 나중에 경쟁자인 Van Dosburg는 이 격자를 대각선으로 바꿨습니다. 몬드리안의 신조성주의, 라리오노프의 레이요니즘, 말레비치의 초현실주의, 칸딘스키의 추상주의는 일찍이 등장했지만 오랫동안 인정받지 못한 최초의 추상주의였다.
추상화가 번성한 것은 제2차 세계 대전 전 마지막 10년이었습니다. 소련에서는 이미 NEP 기간 동안 전위 예술가 샤갈이 쓸모없는 것으로 간주되었다는 것이 중요합니다. 예술은 매우 빠르게 발전했으며 끊임없이 새로운 형태를 요구했습니다. 이 예술은 혁명의 지도자들을 위한 스탠드 디자인, 몬드리안 카페와 주거용 건물, 바우하우스의 미학, 멜니코프의 건축물에서 그 표현을 찾았습니다.
제2차 세계 대전 이후의 예술
승전 이후, 최근 유럽의 전위예술을 파괴한 독일의 점령으로 고통을 겪었던 예술가들, 특히 독일 자체의 예술가들은 오랫동안 회복하지 못했다. 세계 역사상 처음으로 세계 예술의 지휘봉은 미국이 차지했습니다. 미국의 아티스트 잭슨 폴록은 초현실주의, 표현주의, 추상화의 예술을 매우 흥미로운 방식으로 연결하여 추상 표현주의를 창조했는데, 이는 예술가가 자신의 잠재의식에 따라 캔버스에 물감을 부어 즉흥적으로 만들어야 하는 (철학자와 철학자의 생각에서 따온) 정신과 의사 프로이트).
곧 추상화가 바다의 양쪽에서 번성했습니다. 1950년대와 1960년대에는 추상화에 대한 흥미로운 실험이 계속되었습니다. Frank Stella와 같은 일부는 단단한 선, 국소화된 부드러운 색상 및 모양의 캔버스를 사용합니다. Rothko와 같은 누군가는 캔버스를 질감이 있고 단순한 고르지 않은 직사각형으로 나누는 순수한 감각을 전문으로하고 누군가는 단색을 사용하여 단일 색상을 기반으로 그림을 만듭니다. 전후 추상주의의 작업에서는 시간이 지남에 따라 캔버스에 3차원을 부여하는 경향이 있습니다.
폴록의 완전한 비합리성에 대응하여 미니멀리즘, 즉 다른 추상화에서는 볼 수 없는 금속, 네온램프, 생활용품으로 구성된 구조가 나타나는 스타일이다. 냉전이 한창일 때 앤디 워홀의 세대는 이미 추상주의의 강박관념에 질려 지극히 단순하고 상당히 사실적인 팝아트 스타일을 창조해내고 있다.
그것을 이해하기 위해 더 이상 철학자나 전문가가 될 필요가 없었습니다. 모든 사람들이 감당할 수 있는 것들(패스트 푸드, 광고, 영화, 유명인사)을 기반으로 구축되었습니다. 순수한 추상화에 대한 흥분은 가라앉습니다. 나중에 추상화는 현대 추상 컴퓨터 그래픽(Op-art, Vasarelli 스타일의 창시자)을 연상시키는 새로운 형태를 취합니다. 오늘날 추상화는 포스트모더니즘과 그에 뒤따르는 메타모더니즘의 예술에 통합되는 다양한 형태로 존재합니다.
추상화의 예술은 실제로 극소수에 의해 인식되며 소수만이 그 품질을 판단할 수 있습니다. 그러나 다른 모든 스타일과 트렌드와 마찬가지로 우연히 탄생한 것이 아니라 시간과의 대화에서 탄생했습니다. 추상화의 경우에는 미쳤고 매우 고통스러웠으며 동시에 혁신적이었습니다.
