Hay tantos tipos de arte abstracto, y es tan diverso, porque en él casi cualquier cambio de forma da lugar a un estilo completamente nuevo. ¿Cómo puede una persona alejada del arte entender todo esto, y lo más importante, entender por qué se inventó la abstracción y por qué existe?
¿Por qué apareció el arte abstracto?
En general, cabe señalar que la abstracción no es precisamente un invento de nuestro tiempo. El arte de la Edad de Piedra está lleno de abstracciones (círculos misteriosos, cuadrados, triángulos, cuyo verdadero propósito solo podemos adivinar). En sí mismas, las figuras abstractas y el concepto de figura son el descubrimiento de esa época. La historia conoce culturas en las que la abstracción era la única forma legal de expresar las ideas artísticas (árabes, judíos). La abstracción siempre ha estado de la mano de imágenes realistas y estilizadas en los ornamentos.
Los artistas tenían cada vez menos deseos de representar la vida real, porque no se debe olvidar de qué época se trataba. Dos guerras mundiales y regímenes totalitarios han convertido un mundo previamente idílico en un espectáculo terrible. Bueno, ¿quién representará margaritas y musgos sentados en las trincheras? Como resultado, un escape completo de la realidad al mundo de las emociones humanas puras. Son ellos (emociones) los que representan los abstraccionistas.
Una persona sensible y con cierta mentalidad puede entender, por ejemplo, que los últimos lienzos de Rodko deben inspirar al espectador un sentimiento de profunda tristeza, mientras que los anteriores también pueden expresar alegría. Después de todo, la psique humana percibe los colores y las formas. Bueno, ¿quién de nosotros no sintió ansiedad al mirar la puesta de sol roja como la sangre, o no sintió paz al mirar el mar turquesa y el cielo despejado en islas distantes? Los colores y las formas tienen un poder subconsciente de sugestión.
Historia del Arte Abstracto
La abstracción fue inventada simultáneamente por una variedad de maestros de la pintura y la escultura. Durante mucho tiempo, una de las pinturas de Kandinsky fue considerada la primera (hoy en día, este punto de vista ya ha sido refutado). En su desarrollo, Kandinsky pasó de la casi obligatoria escuela “fuerte” del impresionismo con elementos de puntillismo al primer artista que pintó figuras amorfas. Sus primeros trabajos se distinguen por un especial «salvaje» de emociones, las pinturas simplemente se superponen al lienzo.
En trabajos posteriores, aparecen algunas formas no geométricas, pero aún así. Le interesa dar forma a la naturaleza y crea siluetas abstractas de «animales» que se asemejan a los invertebrados. Pero su especial amor son las ruecas Ust-Kuloma, una antigua pintura rusa, que vio en un viaje a la región de Vologda y el Norte, que lo inspiró a dejar su carrera como funcionario y dedicarse al arte.
La abstracción geométrica se remonta a la simplificación del sistema de Picasso. Pintó formas cubistas que trituraban objetos en cristales geométricos. La realidad posterior ya no era necesaria. Incluso en la Rusia prerrevolucionaria, el trabajo de los abstraccionistas geométricos Malevich y El Lissitzky, quienes crearon composiciones a partir de figuras geométricas, se manifestó claramente. Al mismo tiempo, Larionov y Goncharova estaban desarrollando un método para dibujar formas abstractas y semiabstractas a partir de rayos, y Robert Delaunay y su esposa rusa Sonya estaban creando un sistema para transmitir luz, similar a un caleidoscopio de círculos concéntricos.
La abstracción geométrica siguió su propio camino en Holanda después de la Primera Guerra Mundial. Piet Mondrian creó una forma de dividir la superficie en rectángulos incoloros y llenos de colores primarios (azul, amarillo y rojo), y su antiguo amigo y posterior rival Van Doesburg convirtió esta cuadrícula en diagonal. El neoplasticismo de Mondrian, el rayonismo de Larionov, el suprematismo de Malevich y las abstracciones de Kandinsky fueron el primer abstraccionismo que apareció temprano, pero que no fue reconocido durante mucho tiempo.
Fue solo en la última década antes de la Segunda Guerra Mundial que floreció la abstracción. Es significativo que en la URSS, ya durante la NEP, el artista de vanguardia Chagall fuera considerado obsoleto. El arte se desarrolló muy rápidamente, exigiendo constantemente nuevas formas. Este arte encontró su expresión en el diseño de los stands de los líderes de la Revolución, en los cafés y edificios residenciales de Mondrian, en la estética de la Bauhaus y en la arquitectura de Melnikov.
Arte después de la Segunda Guerra Mundial
Después de la Victoria, los artistas que habían sufrido recientemente la ocupación alemana que destruyó la vanguardia europea, y especialmente los artistas en la propia Alemania, no pudieron recuperarse durante mucho tiempo. Por primera vez en la historia del mundo, Estados Unidos tomó el testigo del arte mundial. El artista Jackson Pollock en USA conectó el arte del surrealismo, el expresionismo y la abstracción de una manera muy interesante, creando un expresionismo abstracto, en el que el artista debe improvisar vertiendo pintura sobre el lienzo de acuerdo con su subconsciente (un pensamiento tomado del filósofo y psiquiatra Freud).
Pronto la abstracción floreció a ambos lados del océano. En las décadas de 1950 y 1960 continuaron interesantes experimentos con la abstracción. Algunos, como Frank Stella, usan líneas duras, colores suaves localizados y un lienzo con forma. Alguien, como Rothko, se especializa en sensaciones puras, dividiendo el lienzo en rectángulos desiguales texturados y simples, y alguien se adentra en la monocromía, creando pinturas basadas en un solo color. En el trabajo de los abstraccionistas de la posguerra, con el tiempo, hay una tendencia a dar al lienzo una tercera dimensión (por ejemplo, el lienzo fue cortado y roto).
Como respuesta a la completa irracionalidad de Pollock, aparece el minimalismo, es decir, un estilo en el que hay estructuras hechas de metal, lámparas de neón y artículos para el hogar que no son típicos de otras abstracciones. En el apogeo de la Guerra Fría, la generación de Andy Warhol ya está cansada de la sofisticación obsesiva de los abstraccionistas y crea un estilo de arte pop extremadamente simple y bastante realista.
Para comprenderlo ya no era necesario ser filósofo o experto. Se construyó sobre cosas que todos podían pagar (comida rápida, publicidad, películas, celebridades). La emoción en torno a la abstracción pura se desvanece. Más tarde, la abstracción adquiere nuevas formas, que recuerdan a los modernos gráficos abstractos por computadora (op-art, el fundador del estilo Vasarelli). Hoy en día, la abstracción existe en varias formas, integrándose en el arte del posmodernismo y el metamodernismo que le sigue.
El arte de la abstracción es realmente percibido por muy pocos, y solo unos pocos pueden juzgar su calidad. Pero este, como todos los demás estilos y tendencias, no nació por casualidad, sino en un diálogo con su tiempo, que, en el caso de la abstracción, fue una locura, mucho sufrimiento, ya la vez innovador.